당시에 유행했던 뮤직비디오 형식과 기술적인 부분들도 살펴볼 수 있고 당시에 유행하던 의상과 머리 모양새들도 살펴보는 재미가 쏠쏠하다. 물론 익숙하게 들리는 멜로디며 친근하게 느껴지는 당시의 가수들은 말할 것도 없고. 당시에 즐겨들었던 노래들도 이젠 제목마저 가물거리는 탓에 음악을 찾는데 시간이 좀 걸리긴 하지만 하나하나 살펴보며 음악을 들으며 보는 맛도 있겠다. 동영상 플레이되는 속도도 꽤 좋다. 80년대로 go~go~.
덧글::
알파벳 순이기도 했지만 맨 위에서 세번 째 있는 A-ha의 "Take on me"를 다시 보는데 지금 봐도 영상이 세련됐다. "Take on me"는 애니메이션 기법 중에서 "로토스코핑"기법으로 만든 것인데 이 뮤직비디오에 영향을 받아서 조용필이 "맥콜광고"를 찍을 때 사용했었다. 당시 가장 유행했던 노래와 함께 조용필과 위대한 탄생이 로토스코핑 기법으로 재탄생해서 광고에 등장한다. 상당히 강렬했었다. 요즘엔 다양한 기법, 감각이 아닌 감성이 담긴 광고를 보기 힘들다.
A-ha의 뮤직비디오와 비교해 보면 많이 비슷하긴 하지만 드로잉이나 예술적?인 면에서 조금 부족해보이긴 한다. 뭐, 이걸 말하고 싶었던 게 아니라 과거에 "로토스코핑"으로 만들어졌던 영상이 지금 만들어지고 있는 작품들보다 훨씬 뛰어나고 영상미나 테크닉이 더 뛰어나지 않았나 하는 생각이 들었단 거다. 애니메이션과 뮤직비디오는 기본적으로 다른 장르이기 때문에 단순비교를 할 순 없지만 A-ha의 "Take on me"의 경우 스토리텔링도 명확할 뿐더러 연필 드로잉만으로도 꽤 다양한 감각을 연출해내고 있다.
Take On Me (a-ha) 8 bit Remix 이상하게 유투브에서 "Take on me" 뮤직비디오 오리지널을 찾을 수가 없다. 대부분 짝퉁이거나 이상한 것들만 즐비하다.-_-;
"여긴" 위에 소개한 두 영상을 한꺼번에 볼 수 있는 곳.
덧글이 더 길어져버렸지만 암튼! 80년대 음악을 즐기고 싶다면 80smusicvids.com로 한 번 방문해보라는...
전반적으로 화면의 배경 및 인물이나 동물은 물론, 그 동작까지 실경(實景)·실물(實物)과 똑같은 사실성(寫實性)에 입각하여 그림으로 그리고 촬영하는 것이 특징이다.
화면의 거의 전부를 실경 속에 적당한 인간이나 동물을 등장시켜서 촬영하고, 편집한 라이브 액션 필름에서 한 장면 한 장면을 소정의 크기로 확대하여 그 화면을 복사, 채색하고 셀화로 바꿔 그것을 다시 정확하게 1회 1장면의 비율로 촬영하여 애니메이션 영화를 만든다.
인간이나 동물의 실사필름을 떠서 애니메이션 영화를 제작하는 방법은 오래 전부터 행해졌고, 디즈니 만화 등에서는 충실하게 실행되었다. 그렇지만 그것은 어디까지나 기본 데생으로 참조(參照)하고 만화적인 과장이나 데포르메(déformer)를 주로 한 독특한 성격의 그림을 만들기 위해서이다. 또 같은 배경의 셀화 위에 움직이는 셀화만을 바꿔놓고 그 한 조(組)를 1회 2장면 정도로 생략하면서 촬영하는 것이 통례이기 때문에 자연히 사실성과는 거리가 멀어진다.
Fleischer used rotoscope in a number of his later cartoons as well, most notably the Cab Calloway dance routines in three Betty Boop cartoons from the early 1930s, and the animation of Gulliver in Gulliver's Travels (1939). The Fleischer studio's most effective use of rotoscoping was in their series of action-oriented Superman cartoons, in which Superman and the other animated figures displayed very realistic movement. The Leon Schlesinger animation unit at Warner Brothers, producing cartoons geared more towards exaggerated comedy, used rotoscoping only occasionally.
Walt Disney and his animators employed it carefully and very effectively in Snow White and the Seven Dwarfs in 1937. Rotoscoping was also used in many of Disney's subsequent animated feature films with human characters, such as Cinderella in 1950. Later, when Disney animation became more stylized (e.g. One Hundred and One Dalmatians, 1961), the rotoscope was used mainly for studying human and animal motion, rather than actual tracing.
Ralph Bakshi used the technique quite extensively in his animated movies Wizards (1977), The Lord of the Rings (1978), American Pop (1981), and Fire and Ice (1983). Bakshi first turned to rotoscoping because he was refused by 20th Century Fox for a $50,000 budget increase to finish Wizards, and thus had to resort to the rotoscope technique to finish the battle sequences. (This was the same meeting at which George Lucas was also denied a $3 million budget increase to finish Star Wars.)[1][2]
Smoking Car Productions invented a digital rotoscoping process in 1994 for the creation of its critically-acclaimed adventure video game, The Last Express. The process was awarded U.S. Patent 6061462: Digital Cartoon and Animation Process. In the mid-1990s, Bob Sabiston, an animator and computer scientist veteran of the MITMedia Lab, developed a computer-assisted "interpolated rotoscoping" process which the director Richard Linklater later employed in the full-length feature films Waking Life (2001) and A Scanner Darkly
(2006). Linklater licensed the same proprietary rotoscoping process for
the look of both films. Linklater is the first director to use digital
rotoscoping to create an entire feature film.
Additionally, a 2005-08 advertising campaign by Charles Schwab
uses rotoscoping for a series of television spots, under the tagline
"Talk to Chuck." This distinctive look is also the work of Bob Sabiston.
Technique:
Rotoscoping is decried by some animation purists but has often been
used to good effect. When used as an animator's reference tool, it can
be a valuable time-saver.
Rotoscope output can have slight deviations from the true line that
differ from frame to frame, which when animated cause the animated line
to shake unnaturally, or "boil". Avoiding boiling requires considerable
skill in the person performing the tracing, though causing the "boil"
intentionally is a stylistic technique sometimes used to emphasize the
surreal quality of rotoscoping, as in the music video Take on Me.
Rotoscoping has often been used as a tool for special effects in live-action movies. By tracing an object, a silhouette (called a matte)
can be created that can be used to create an empty space in a
background scene. This allows the object to be placed in the scene.
While blue and green screen techniques have made the process of
layering subjects in scenes easier, rotoscoping still plays a large
role in the production of special effects imagery.
Rotoscoping has also been used to allow a special visual effect
(such as a glow, for example) to be guided by the matte or rotoscoped
line. One classic use of traditional rotoscoping was in the original
three Star Wars films, where it was used to create the glowing lightsaber effect, by creating a matte based on sticks held by the actors.
The term "rotoscoping" (typically abbreviated as "roto") is now
generally used for the corresponding all-digital process of tracing
outlines over digital film images to produce digital mattes. This technique is still in wide use for special cases where techniques such as bluescreen will not pull an accurate enough matte. Rotoscoping in the digital domain is often aided by motion tracking and onion-skinning software. Rotoscoping is often used in the preparation of garbage mattes for other matte-pulling processes.
로토스코핑 기법이라는 게 그다지 특별한 기법은 아니지만 촬영 계획을 세우거나 그 소스를 어떻게 사용할 것인가에 따라 복잡한 문제들에 봉착하게 된다. 과거 디즈니에서 만들어진 애니메이션-백설공주와 같은-중에는 로토스코핑 기법으로 완성되었다고 믿을만큼 애니메이션이 너무 자연스럽고 실제보다도 더 실제같은 느낌을 주는 작품들이 많았으나 아이러니하게도 그런 작품들은 로토스코핑 기법으로 촬영된 애니메이션이 아닌 오로지 애니메이터들에 의해 재현된 작품들이었다. (디즈니 건 아니건) 후에 만들어진 작품들 중에 로토스코핑 기법을 사용한 작품들이 나오기 시작했고 그 작품들은 역시 재밌게도 애니메이션 느낌이 덜 느껴지며 움직임도 그다지 좋지 않은 작품들이 종종 있었다. 실제 사람의 액션을 그대로 따라 표현했을 때 실제같은 느낌이 들지 않고 오히려 애니메이터의 관찰력에 의거해 만들어진 작품이 실제같은 느낌을 준다는 건 그만큼 애니메이션을 만들기가 녹록치 않다는 증거이기도 하겠고 오히려 애니메이터의 본질이 무엇인지를 생각해보게 한다.
현재 진행하는 작품은 로토스코핑 기법과 3D 모델링을 함께 이용해 진행하기로 예정이 되어있었지만 스토리보드대로 촬영하는 것에 대한 어려움(광각처럼 쉽게 촬영되기 어려운 레이아웃 때문에..?)으로 인해 작업방식을 수정하기로 했다. 실제 촬영해서 소스로 활용은 하되 모든 장면들을 3D 모델링으로 액션 키를 잡아내서 작업을 하기로 한 것이다. 그리 쉽지 않은 작업이 될 거라 지레 짐작은 해보지만 여러방면으로 작업방식에 대한 연구와 진행방식의 새로운 돌파구를 마련할 것으로 기대된다. 그러면서 다시금 생각해보게 되는 건 역시 실촬영을 해서 소스로 활용한다고는 하지만 촬영시 연기나 타이밍에 대한 문제, 그 소스를 제대로 정리해서 활용해야 하는 문제를 어떻게 해결할 것인가이다.
선녹음이 작업방식의 변화를 가져온 부분이 있긴 하다. 사실 한국에서 선녹음으로 만들어지는 애니메이션이 과연 몇이나 될까. 외국 애니메이션을 수입해서 유명배우가 더빙하는 건 어쩔 수 없다손 치더라도 국내에서 제작되는 애니메이션 중에 립싱크가 제대로 맞아떨어지는 작품을 보기란 쉽지 않다. 선녹을 하게 되면 제작단가가 올라가는 문제가 발생하기 때문에 어떻게해서든 제작비를 줄이려는 입장에서는 선녹음을 기피하게 되긴 하지만 TV시리즈는 그렇게 만들지 않는 게 불문율?이라고 하더라도 장편 애니메이션 정도는 선녹음 기법으로 해줘야 하는 게 아닌가라고 애니메이션업에 종사하는 사람들이라면 한 번쯤 생각해 봤을 것이다. 단편 중에 종종 선녹음 방식으로 나오는 게 있다. 현재로선 생각이 나지 않는다.(아직까지 없을 수도..) 암튼, 현재 진행하는 작품은 선녹음 방식으로 작품을 하게 되는데 다들 처음 시도하는 일이라 그 노하우를 만들어내는 게 쉽지는 않다. 다만, 선녹음으로 인해 작품의 질을 높이고 작업의 효율성을 끌어낼 수만 있다면 이번의 시도는 큰 의미를 갖게 되고 좋은 성과를 얻어내리라 믿어 의심치 않는다.
하나씩 겪어가며 발판을 만들어가는 것. 언제나지만 작업에 임하기 전보다 진행하고 있을 때는 배우는 게 참 많아진다.
* 애니메이션의 모든 파트가 다 중요하지만 정말 중요한 건 무엇인지 고민하게 되는 ..즈음이다.
*** 위 내용 중에 백설공주가 로토스코핑(Rotoscoping) 기법이 아니라고 했는데 로토스코핑 기법으로 만든 게 맞다. 처음 애니메이션에 대해 알기 시작할 때부터 로토스코핑 기법을 사용하지 않고도 완벽한 애니메이팅을 해낸 작품이라고 알고 있었는데 내 기억이 틀렸다. 그에 따른 내용은 위키디피아(http://en.wikipedia.org/wiki/Rotoscope)에서 확인할 수 있다. 로토스코핑이 1914년 Max Fleischer가 처음 시작한 이래 디즈니에서도 줄곧 활용했던 기법이다. 중국에서는 첫 장편이라고 할 수 있는 Princess Iron Fan(철산공주)에서 사용했다고 한다.(누가 내 기억을 왜곡시켰었단 말인가.-_-;;) 암튼 잘못된 정보를 수정하는 바이니 오해들 없으시길...
*** 하나 더 Richard Linklater가 감독한 Waking Life나 A Scanner Darkly 역시 로토스코핑 기법으로 제작되었으며 한국에서는 몇 작품들 중에 연상호 감독의 지옥1,2가 유명하고 장편으로는 Life is cool(가제)가 곧 모습을 드러내지 않을까 싶다.
