Coraline(Coraline Wiki)은 스톱모션 3D 호러 판타지 필름이라 한다. Neil Gaiman의 동명소설을 영화화했다고 한다. Bill Mechanic이 판권을 산 후에 Henry Selick을 고용해 각본과 연출을 맡겼단다. 처음 트레일러를 봤을 때, 그리고 홈페이지(Coraline site)에 갔을 때 등장하는 폰트, 분위기 등으로 미루어 짐작하길 Tim Burton의 신작인가 싶었다. 그런데 감독은 Henry Selick(Interview:Exclusive Interview: Coraline Director Henry Selick), 알고보니 'James and the Giant Peach(1996')와 'The Nightmare Before Christmas(1993)'를 감독했던 사람이다.(난 여태 '크리스마스의 악몽'을 팀 버튼이 감독한 줄 알고 있었는데...-_-;;;) 팀 버튼은 제작자, 또는 총감독 쯤 되겠다. 그러니 Coraline의 '팀 버튼'스러운 분위기나 애니메이션, 연출 등이 '크리스마스 악몽'과 비슷할 수 밖에... 헨리 셀릭 감독은 스톱모션(Stop Motion), 인형(Puppet) 애니메이션 쪽으로는 달인이며 초고수다. '크리스마스의 악몽'의 감동은 잊을 수 없다. 특히 대니 엘프먼의 음악은 너무 좋다.
James and the Giant Peach(1996)
The Nightmare Before Christmas(1993)
홈페이지에 있는 감독 소개란을 보면 헨리 셀릭 감독은 아주 어릴적에 어머니 멜라니에게 아프리카의 또다른 가족에 대해 이야기하곤 했다고 한다. 동물들을 그려가면서. 어머니는 아이의 이야기가 아주 디테일했기 때문에 가끔 그것들이 사실이라고 믿곤 했다고 한다. 어릴적부터 남다른 재능을 보여왔다고 밖엔...
게다가 헨리 감독 역시 독특하고 무섭고 기괴한 것들을 좋아했던 걸 보면 팀버튼과 비슷한 취향이었나보다. 감독은 그 뿐만이 아니라 사진, 조각, 그림 등등 예술의 다양한 방면에 재능이 있었다 한다. 정말이지 이런 복잡한 재능을 가진 사람은 종합예술이라 할 수 있는 애니메이션이 적격이다.-_-a
작품 제작시 가장 피크일 때는 30~35명의 애니메이터와 디지털 디자이너들(DDG or Digital Design Group), 그리고 250여 명에 달하는 테크니션과 디자이너들을 포함한 450여 명의 노력들이 수반되었다고 한다. 일반 장편 애니메이션 제작인력의 2-3배에 달하는 숫자다. 특히 스태프 중에는 니트 미니어처 스웨터와 인형 캐릭터들에게 입힐 옷을 만들 사람이 특별히 고용되기도 했다. 아래 동영상에 나온다. 이 특별한 여자 스태프는 사람의 머리카락보다도 얇은 실을 가지고 뜨개질을 해 인형 캐릭터의 스웨터를 짠다.
약 140,000평방피트(13006.741922 m²) 정도의 창고에 Coraline의 무대가 설치되었는데 각종 세트와 오브젝트들이 설치되었다고 한다. 면적을 보면 대충 짐작이 되고도...남을...
Stage in warehouse
물론 아래 동영상을 보면 사진으로 느끼는 것보다 세트의 규모를 더 정확히 알 수 있다. 전에 팀버튼의 '유령신부'의 규모보다 더 큰 것 같고 테크놀로지는 몇 단계 더 나아진 듯 보인다. 스톱모션 기법 자체가 중노동이기 때문에 많은 사람, 많은 시간, 많은 돈이 필요한 건 사실이지만 이젠 기술의 발달로 애니메카트로닉스(Animatronics) 기법이 곳곳에서 사용되고 부족한 부분은 컴퓨터 3D, CG로 처리할 수 있게 되었다.
Coraline은 과거 스톱모션의 정통을 이어 만든 장인의 숨결이 살아숨쉬는 (충분히) 아날로그한 3D 애니메이션이라 할 수 있겠다. 화면에 넘쳐나는 칼라에 대한 개인적인 느낌은 요즘 유행하는 PIXAR같은 느낌이 들긴 하지만 ('크리스마스의 악몽'보다 훨씬 화사해졌다) 캐릭터들은 충분히 매력적이고 움직임은 끔찍할만큼 자연스럽다. 예고편만으론 속단하기 어렵지만 재밌을 것 같다. 보고 싶다.
Coraline에서 이벤트도 아주 재밌게 했다고 하던데... 이벤트에 당첨된 사람들이 받았던 '상자'가 탐이 난다.
전반적으로 화면의 배경 및 인물이나 동물은 물론, 그 동작까지 실경(實景)·실물(實物)과 똑같은 사실성(寫實性)에 입각하여 그림으로 그리고 촬영하는 것이 특징이다.
화면의 거의 전부를 실경 속에 적당한 인간이나 동물을 등장시켜서 촬영하고, 편집한 라이브 액션 필름에서 한 장면 한 장면을 소정의 크기로 확대하여 그 화면을 복사, 채색하고 셀화로 바꿔 그것을 다시 정확하게 1회 1장면의 비율로 촬영하여 애니메이션 영화를 만든다.
인간이나 동물의 실사필름을 떠서 애니메이션 영화를 제작하는 방법은 오래 전부터 행해졌고, 디즈니 만화 등에서는 충실하게 실행되었다. 그렇지만 그것은 어디까지나 기본 데생으로 참조(參照)하고 만화적인 과장이나 데포르메(déformer)를 주로 한 독특한 성격의 그림을 만들기 위해서이다. 또 같은 배경의 셀화 위에 움직이는 셀화만을 바꿔놓고 그 한 조(組)를 1회 2장면 정도로 생략하면서 촬영하는 것이 통례이기 때문에 자연히 사실성과는 거리가 멀어진다.
Fleischer used rotoscope in a number of his later cartoons as well, most notably the Cab Calloway dance routines in three Betty Boop cartoons from the early 1930s, and the animation of Gulliver in Gulliver's Travels (1939). The Fleischer studio's most effective use of rotoscoping was in their series of action-oriented Superman cartoons, in which Superman and the other animated figures displayed very realistic movement. The Leon Schlesinger animation unit at Warner Brothers, producing cartoons geared more towards exaggerated comedy, used rotoscoping only occasionally.
Walt Disney and his animators employed it carefully and very effectively in Snow White and the Seven Dwarfs in 1937. Rotoscoping was also used in many of Disney's subsequent animated feature films with human characters, such as Cinderella in 1950. Later, when Disney animation became more stylized (e.g. One Hundred and One Dalmatians, 1961), the rotoscope was used mainly for studying human and animal motion, rather than actual tracing.
Ralph Bakshi used the technique quite extensively in his animated movies Wizards (1977), The Lord of the Rings (1978), American Pop (1981), and Fire and Ice (1983). Bakshi first turned to rotoscoping because he was refused by 20th Century Fox for a $50,000 budget increase to finish Wizards, and thus had to resort to the rotoscope technique to finish the battle sequences. (This was the same meeting at which George Lucas was also denied a $3 million budget increase to finish Star Wars.)[1][2]
Smoking Car Productions invented a digital rotoscoping process in 1994 for the creation of its critically-acclaimed adventure video game, The Last Express. The process was awarded U.S. Patent 6061462: Digital Cartoon and Animation Process. In the mid-1990s, Bob Sabiston, an animator and computer scientist veteran of the MITMedia Lab, developed a computer-assisted "interpolated rotoscoping" process which the director Richard Linklater later employed in the full-length feature films Waking Life (2001) and A Scanner Darkly
(2006). Linklater licensed the same proprietary rotoscoping process for
the look of both films. Linklater is the first director to use digital
rotoscoping to create an entire feature film.
Additionally, a 2005-08 advertising campaign by Charles Schwab
uses rotoscoping for a series of television spots, under the tagline
"Talk to Chuck." This distinctive look is also the work of Bob Sabiston.
Technique:
Rotoscoping is decried by some animation purists but has often been
used to good effect. When used as an animator's reference tool, it can
be a valuable time-saver.
Rotoscope output can have slight deviations from the true line that
differ from frame to frame, which when animated cause the animated line
to shake unnaturally, or "boil". Avoiding boiling requires considerable
skill in the person performing the tracing, though causing the "boil"
intentionally is a stylistic technique sometimes used to emphasize the
surreal quality of rotoscoping, as in the music video Take on Me.
Rotoscoping has often been used as a tool for special effects in live-action movies. By tracing an object, a silhouette (called a matte)
can be created that can be used to create an empty space in a
background scene. This allows the object to be placed in the scene.
While blue and green screen techniques have made the process of
layering subjects in scenes easier, rotoscoping still plays a large
role in the production of special effects imagery.
Rotoscoping has also been used to allow a special visual effect
(such as a glow, for example) to be guided by the matte or rotoscoped
line. One classic use of traditional rotoscoping was in the original
three Star Wars films, where it was used to create the glowing lightsaber effect, by creating a matte based on sticks held by the actors.
The term "rotoscoping" (typically abbreviated as "roto") is now
generally used for the corresponding all-digital process of tracing
outlines over digital film images to produce digital mattes. This technique is still in wide use for special cases where techniques such as bluescreen will not pull an accurate enough matte. Rotoscoping in the digital domain is often aided by motion tracking and onion-skinning software. Rotoscoping is often used in the preparation of garbage mattes for other matte-pulling processes.
